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不 思 議

宫 鹤 GONG He

李 允馥 Yunbok LEE

安 盛圭 Sungkyu AHN

松枝 悠希 Yuki MATSUEDA

上根 拓馬 Takuma KAMINE

岛内 美佳 Mika SHIMAUCHI

2021.6.5 – 7.25

上海

India facing great challenges at the moment, before the COVID ,we never thought something like this would happen . People will select the memory , because of the flowing time river, we just focus on present . But if just viewing one angle , focus one period of time…… we should try to extend our viewing , stretch the time to 100 year before ,200 year before …… Look back at history ,we will realize that human history is constantly coming again and again .Time will make the all the event transform into an history , just like the pandemic of 1918 and the twice World War . Let‘s switch the perspective to the future , pay attention to tomorrow , thinking where will time flow.

At the scene of Shun Art gallery’s first show of 15th anniversary “healing”, one guest who work on urban design expressed gratitude to us because we don’t install spotlight in the exhibition hall which will breake the atmosphere of vintage house ; and also a artist friend graduated from Central Academy of Fine Arts acclaimed us as the only gallery where exhibition hall and art works do not steal the spotlight from each other ; some guests come and feel the delighted atmosphere ,and express how more they got in communications …… Actually , we are “healing”indeed in the show“healing” by guests . Shun Art gallery is different from other gallery , unconsciously become a persevering and warm place.

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アーティストについて

宫鹤

宮鶴 (b.1982)

満族 クリスチャン

1982年に遼寧省鞍山市に生まれ

2004年に魯迅美術学院油画科を卒業

今北京でアート創作に活躍

 

複雑な彼/宮鶴(Gong He)について

山口裕美

 

宮鶴を初めて見たのは、東京での個展の時だった。ギャラリーの隅の椅子に座っていて、物静かな青年という印象だった。口数が少なく、彼は私と眼を合わせない。アーティストは非常に社交的か、無口に分かれることが多いが、言うまでもなく彼は後者だった。作品を順番に見ていくと、技術的に優れていることがすぐに分かった。また、作品の中にかすかな批評的精神とユーモアを見出すことが出来た。「スマートな青年なのだな」と思って振り返り、彼を見たが、またしても私とは眼を合わせず、うつむいていた。

宮鶴といえば、まずはパンダの絵画作品である。子供パンダがペットの亀や鳥をもてあまし、途方にくれている。あるいは、動くはずのない自転車を漕いでいたり、お酒と煙草でヘロヘロになっている。愛らしさはあるけれど、なんだか少し変な様子だ。パンダのちぐはぐな振る舞いから、いろいろなことが連想出来る。無邪気さと残酷さ、発展と衰退、お祭り騒ぎの後の孤独。誰でもが愛してやまないパンダは、宮鶴の自画像なのではないか。考えてみれば、パンダの気持ちは誰にもわからない。存在そのものが愛されているため、その愛の対象であるパンダは、理解されてもいないのだ。世の中に生を受けて、生まれてきたからには、その理由があり、自分の役割を誰でもが探して生きている。しかし、パンダはそのことさえ、人気の陰に隠れて、問題にされない。宮鶴の絵筆の先には、そうした生まれてきた意義を探る視点が含まれているのではないだろうか、、、。

もう1つ、彼の作品には新聞や本、お札などの紙から作ったオブジェを絵画に落とし込んだシリーズがある。こちらの作品はパンダシリーズよりは饒舌である。切り抜かれた文字から1つの出来事がイメージされる。そこに登場するのは男と女。強くて弱い女性の姿が見えてくる。モノクロの色使いのせいか、古いフランスの短編映画の中に描かれているようなエスプリを覗かせる。その中の1つ、紙幣で銃を作り、弾を撃つと思わせて、たばこの火が消えるように銃口が燃えカスになってしまった作品は、エロティックな解釈から政治的な解釈まで可能である。いや、すべての芸術家の描く絵画作品は、エロティックであり、政治的なのだと言わんばかりである。

宮鶴というアーティストは、1つ1つの作品を語るよりも、中国のアート界にあっては、極めてユニークで、個性的な画家であることを強調したいと思う。絵画作品には、写真のようにリアルに写実する機能を求める作品群が存在する。そしてその一方で抽象表現主義があって、観客をおきざりにしながら、コンセプトを重視する作品群もある。宮鶴は、その両方に所属しつつ、まったく別の批評精神を持った視点を提供している。観客は、彼の作品の中に、自分の経験や歴史を総動員して共通項を見つけだし、安心する。しかし、その先に人間の生まれながらにして背負っている、人間らしいさまざまな業のやるせなさも、見せているのだ。宮鶴は、シャイな瞳のその奥に、人間礼讃の精神と行動の愚かさを許そうとする温かみを垣間見せる。これからの作品が楽しみである。

悲しみのミスタポテト

Shun

 太陽は人間のいる前から存在したらしい。ポテトはどうだろう?理屈はないけどきっと太陽よりも先に世の中に生存していたような気がする。

宮鶴さんの作品を最初に見たのは10人のグループ展に参加する作家さんの一人としてだった。彼の友人の一人が中央美大の修士生でその研究室で並べられた宮鶴の作品は、ポテトだった、なんともいえない悲劇のヒロインを感じさせられる・・・タイトルを聞いたら

ミスターポテト、ああ、一人三作と事前に決めていたのに作品を全部展示しようと言い出し、言った私も周りのスタッフも耳を疑ったみたかった。

宮鶴さんとの縁の始まりである。擬人化されたミスタ・ポテトは絆創膏をつけていたり、

点滴をしていたりと脆弱な現代人である。それは時には大人に、時には隣人に、またある時は愛しき恋人である。あるいは少しセクシーな友人である。彼らは、大きい世間の波の中で一人ぼっちであり、だけど一人の孤独を楽しんでいるようにも見える。それは作家さん本人の時もあるし、違う時もあるし、過去の彼自身だったり、未来の彼だったりもする。だけど、それはいずれ急激に変化し続ける世間に馴染めず一人遊びしている少し偏屈な子供にも、頑固な老人にも似ている。

ポテトはロッテルダムに閉じ込められた怪人にも似ていて悲劇のヒロインを扮している。聖なる存在になりすましている分、非現実的であり、だけど私達が生きているこの世の中への警鐘にも見える。不思議な世界に引き込まれる、それが彼の世界の独特な力であろう。

パンダシリーズは彼女に誕生日プレゼントで書いた一枚の絵が私に見そめられ、それから毎年少しずつ書いているシリーズである。彼のパンダを買っている人はなぜか有名な方が多い。芸能界や名の知れた有名人が多い、なぜだろう・・・

紙幣シリーズは韓国のキムキトク監督の映画を思い出させる。お金ですべては始まり、すべては終る。お金で人は生きるし、死ぬし、復讐を図る・・・焼かれた紙幣の破片は傷跡にこびり付いた乾いた血液にも似通って見える。それを宮鶴さんは精緻に描いている、少しの嘘もなく生真面目に。

竜巻の過ぎ去る都会の風景、そこで哲学者宮鶴は何をもって孤独を定義しているだろう。

この都会にはミスタ・ポテトも思春期のパンダも、萌えのパンダも、律儀な友達思いの

パンダも生活しやすいだろうか?私はなぜか窒息しそうで。足早にそこから逃げ出したいけど、足が言うことを利かず足止めしてそこに立ち尽くしていそう。そして悲しみのミスタポテトはついにはギリシア神話のヒロインになってしまう。

李 允馥 Yunbok LEE 이윤복

Yunbok LEE (b.1970)

Born in Seoul, Korea in 1970, Lee’s work is based on the fundamental core of human body and humanity.  Since his return from Japan in 2003 after finishing his research-student program in metal sculpture at Tokyo University of the Arts, he has been working almost exclusively in stainless steel for his creation.  He creates work from hard stainless steel that feels heavy and is light, looks firm and yet soft, with essential elements and simplicity. 
 
The creation of his work begins with damaging a pure metal through hammering, bending, cutting and grinding, and then attaching the damaged metal pieces by welding and then finely polished to create a new life.  Likewise, the core of our body and soul are damaged and hurt as well, and they are similarly mended, comforted and purified over time.  
 
Although his work process requires a tremendous amount of time and labor, he believes that his work evolves through the process of making, i.e. it is spontaneously generated in the process of making.  As the artist says “Artwork is made on the border between mind and body.  We go to sleep feeling the pain of our body, and so we awake.” And again, “…to me the process is a part of the artwork itself and it is where its soul emerges”.  With a mirror-liked body, the evolution of his work never stops as it mutates into new forms with its ever changing surroundings.  Its soul speaks to the hearts of those who look upon it.
安盛圭Portrait

Sungkyu AHN (b.1966)

1966 Born in Korea

1993 BFA, Seoul National University, Major in Painting, Seoul Korea

2000 MFA, Seoul National University, Major in Painting, Seoul Korea

 

Impression

Thoughts on Urban Landscapes

——Ahn, Sung-Kyu

 

My work has always been an expression of interest for my surrounding environment, which I belong to and where I live, and an encounter with the images around me. Scenes of run-down neighborhood allies in the city or buildings I see as I drive by, urban flower beds or flowers blooming freely in small empty lots, and the colossal nature (sky or field) that include all such objects, have always been familiar but also awesome to me.

 

The urban landscapes I dealt with in the past were narrow allies in the increasingly disappearing hillside neighborhoods with gigantic fields in the background. While such works were about the sense of loss and nostalgia for the things we forget as we live our lives, my recent works dealt with our surrounding environment now, and the spaces I live in today. It is a transition from the past to present, and represents a change of interest.

 

The images of the city appearing in my recent paintings are positioned low in the picture-plane, too low to refer to as the center. (The buildings hang on the very edge of the picture-plane only suggesting their overall form, while the sky takes up most of the space.) What I intend to show here is not the buildings or the sky, but rather the border where the sky and buildings meet. The urban landscapes in the painting, shown through the borders of encounter, are representations of objects, but are new images created by relationships established through my world of experience in the painting, and not mere depictions of actual subjects. The sky, a landscape of emptiness revealing the exterior of the city, which reveals itself through its encounter with the city, exists as a painterly space outside the city, as if to overwhelm it. The sky is not bright or clear, nor is it dramatic or fantastic. It is just an empty sky painted in flat and subtle brush strokes, which makes the space called the city look ever more void and lonesome.

 

Why do I try to reveal such emptiness or voidness?

 

Perhaps I am looking for the unknown loneliness and emptiness of the modern human in the appearances of the city.

 

The grey sky of the late afternoon, right before the sun sinks in the west, and the images of the buildings, which seem to hold their heads up to the sky in a contrast, seem similar to the human race, which lives enduring the heavy burdens of life’s weight. The reason we feel a certain heart ache when we gaze at the city from its outskirts a couple hours before sunset is because in the images of the buildings, barely managing to hold their heads up to the gigantic and empty sky, we see the images of the lonely modern person, living amidst the complex relationships with others in a heartless reality, and because we see ourselves, who want to face the world boldly, but for some reason have lost our confidence.

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Yuki MATSUEDA (b.1980)

 

It’s one thing to conform to boring, one-dimensional street signs, but one gets a whole different feeling when obeying the incredible 3D art sings by Japanese artist Yuki Matsueda. These artworks are definitely attractive and easy to pay attention to. The series is fun, creative and unique—the pieces certainly break the mold.

 

Matsueda’s work consists of signs, ordinary elements and abstract images trying to escape the plastic frame they’re put into. The artist creates a 3D piece by giving the impression that the subject of the image has come to life and is trying to escape its constraints. My favorite has to be the exit man trying to actually exit—it’s extremely ironic and eye-catching.
Yuki Matsueda is a young artist whose intentions were to express through art the need to break with everyday rules and boundaries.

 

Matsueda completed his PHD in crafts at Tokyo University of the Arts and has since been active as a 3D artist. Although Matsueda’s parents run a printing company in Japan, his interest has been in printing equipment and 3-dimensional solids rather than 2-dimensional prints. Nevertheless, his childhood memories and aesthetic senses still retain a natural affinity for his parents’ printed products. Matsueda’s recent work express motifs from 2-dimensional planes that protrude and encompass 3-dimensional spaces. The author seeks to overcome the limitations of the printing industry and its products — planar objects.

 

“The subject is literally trying to get out of the picture! How awesome are these 3D artworks by Japanese artist Yuki Matsueda. The desire to escape from the constraints, the standard of the ordinary is what has animated Matsueda for this series of works in 3D. I would love to get my hands on couple of these!”

 

“While most designers are busying adding more and more elements into their artworks, Japan-based Yuki Matsueda has, however, managed to let some elements escape from his art pieces. The result seems quite amazing… A vivid 3D image is successfully created and all the elements are believed to be more shocking than those stay still on paper.”

 

From Yuki

One of the themes of the Matsueda work is to shape an “impossible moment.” To illustrate this theme, his works consist of 3-dimensional solids born from motifs protruding from 2-dimensional planes.

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Takuma KAMINE

上根 拓馬(b.1978)

1978年大阪で生まれる。
東京を拠点に活動する神根拓真は、東京造形大学絵画科を卒業し、美術学士を取得。
現在は東京造形大学にて美術の非常勤講師を務めている。

 

伝統的な仏教の世界に現れる神や精霊の解釈に基づいてインスタレーションを制作するアーティスト。
彼は、古風な人物像に新たな命を吹き込み、精神性を包含する三次元の「守護者」像として再生成することで、それらを現代のものと融合させます。 カミネ・タクマは、仏像が持つ同様のエネルギーをフィギュアにのせ、これを彼のSFへの美的関心と組み合わせています。 彼は、宇宙服やロボット工学などの要素を使用して、新タイプの像を、現代的なパーツで構成し、仏陀の存在のような守護者を作成しました。

 

上根拓馬は子供の頃、初めて仏様の守護神の像に出会い、畏怖の念に駆られました。 現在、アーティストとして活動している彼は、日本のアニメや漫画の要素を取り入れながら、フィギュアへと展開させました。 これらは信仰的な意味合いの作品ではなく、現存する仏教図像のコピーでもありません。 むしろ、仏教経典の研究と、ガンダムなどロボットへの興味が、作品制作に大きく影響を与えました。

 

カミネは、日本、アメリカでの個展、中国、日本、台湾、フィリピンでのグループ展で作品を発表してきました。 Vol. 2004年に第2回バースアート賞、2006年に第4回MOVEアートマネジメント審査員賞を受賞。

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岛内 美佳 Mika SHIMAUCHI

Mika SHIMAUCHI (b.1987)

Mika Shimauchi is eager to touch the reality of this world and wants to leave a trace that can be touched. As artists’ most commonly used material, clay can be directly touched with hands, evoking childhood memories and touching real sense. In particular, the exploration of life and death is one of the themes that the artist cares most about. She believes that this is very important to understand who we are and how we should live. Unfortunately, even without such thinking, we still live in this world.

 

The artist develops motifs from her own landscapes and exhibits them as sculptures and various works. The imperfections visible within the works are a motion to humorously represent the irony of the over-efficiency of our lifestyles under the weight of globalization created by mankind, and yet how we are unable to fully adapt.

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